Tate Britain 미술관

 

테이트 갤러리 는 영국의 사업가 H.테이트 의 개인 소장품으로 시작한 갤러리이다.

처음에는 런던의 Tate Britain 하나 였으나,현재는 마찬가지로 런던에 있는 Tate Modern,

north-west에 있는 Tate Liverpool, 그리고 south-west에 있는 Tate St Ives의 네개로 확장 되어있다.

오늘 둘러볼 곳은 주로 영국의 회화가 많고 17세기 인상파 작품이 많이 보이는  테이트 갤러리 의 원조- 테이트 브리튼.

  

테이트 브리튼 에는 꽤나 흥미로운 작품이 많은데,

그중에서 가장 유명하고, 인상적이었던 작품들을 시대 등의 순서에는 상관없이 몇 개 나열해본다.

 

오필리어

유명한 이유를 확실히 알 수 있을 만큼 비극적인 죽음이 환상적으로 아름다웠던 작품이다.

이 그림 앞에서 발을 떼고 돌아서기가 힘들어 계속 뒤돌아봤던 기억.

 

Ophelia  1851-2 - Sir John Everett Millais, Bt  762 x 1118 mm

 

 

이 장면은 셰익스피어의 '햄릿'에서 오필리어가 사랑하는 애인이

자신의 아버지를 죽인 것에 대해 비통해하며 시냇물에 몸을 가라앉히는 모습을 묘사하였다.

셰익스피어는 Victorian 화가들에게 최고의 주제였으며, 특히 비극적인 로맨스를 그린 햄릿은 가장 대중적인 주제였다.

 

이 그림의 모델인 Elizabeth Siddal는 4개월 넘게

램프로 데워 따뜻해진 물이 가득한 욕조 안에서 포즈를 취하였다.

램프는 딱 한번 불이 꺼졌는데, 그녀는 호된 감기에 걸렸고 그녀의 아버지는 Millais가 의료비용을 대기전까지 법적인 대응을 하였다.

 

그림에서 의미심장한 상징을 나타내는 식물들은 매우 정성들여 묘사가 되었다.

그녀의 뺨과 드레스의 장미들과, 물가 뚝의 장미들은 그녀의 오빠인 Laertes가 그녀를 'rose of May'라고 부르던 것을 암시한다.

버드나무, 쐐기풀, 데이지는 버림받은 사랑, 고통, 순수와 연관이있다.

팬지는 헛된 사랑을 알려주며, 오필리어의 목을 둘러싼 제비꽃은 신의,순결, 젊은날의 죽을 등을 의미한다.

양귀비는 죽음을 의미하며, 물망초(Forget-me-nots)가 물 위에 떠 있다.

 

Millais는1852년 3월에 Thomas Combe에게 편지를 써서 이렇게 말했다.

"오늘 나는 정말 훌륭한 숙녀의 드레스를 한벌 구입했다. - 그것은 은색 자수로 전체에 꽃이 수놓아져있다.- 그리고 나는 그것을 오필리아를 위해서 그릴 것이다.

이렇게 말하면 당신은 그것이 어느정도 좋은 것이라 상상할지 모르지만 사실상 그것은 낡고 더러운 것으로 4파운드를 주고 샀다." 

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다음은 '오필리어'와 같은 작가의 또다른 비극적인 내용의 작품.

마찬가지로 셰익스피어 원작의 소설이 주제이며 슬프게 아름답다.

 

Mariana 1851 - Sir John Everett Millais, Bt  597 x 495 x 15 mm

 

 

이 그림이 Royal Academy 에서 처음 전시 되었을 때,

Tennyson의 Mariana  라는 글에서 다음의 글귀가 함께 따라왔었다.

 

She only said, 'My life is dreary,

He cometh not,' she said;
She said, 'I am aweary, aweary,
I would that I were dead!'

그녀는 단지 말했다 '내 삶은 따분하다.

그는 오지 않는다.' 그녀는 말했다.

그녀는 말했다. 나는 너무나 지루하고 지루하다.

나는 죽어야하겠다.

 

이 Tennyson의 시는 셰익스피어의 'Measure for Measure' 에서의 Mariana 캐릭터에서 영감을 받았다.

그녀는 그녀의 지참금이 난파로 인해 사라지자 약혼자인  Angelo로 부터 파혼을 당하고,

홀로 시골의 저택에서 외로운 생활을 해나간다.

그녀는 아직도 그를 사랑하고 있고, 그와 재결합하기를 애타게 기다린다

 

이 그림에서 가을 낙엽들은 바닥에 흩뿌려지면서 세월의 흐름을 보여준다.

Mariana는 어떤 자수를 놓고 있다가 잠시 일어나 등을 펴고 있다.

 그녀의 Angelo에 대한 갈망은 그녀의 포즈와 자수를 뚫고 지나간 바늘로 표현되어있다.

그녀 앞의 스테인드글라스 창문은 Mariana의 좌절과 애닲음에 대조되는 처녀의 만족감을 나타낸다.

 

Millais는 창문의 장면을 Oxford의 Merton College 성당의 것을 베꼈지만, 오른편 창의 문장의 디자인은 그만의 디자인으로 보인다.

문장에 쓰여진 'In coelo quies' 라는 모토는 '천국에는 휴식이 있다'라는 뜻으로, 그것은  Mariana의 죽음에 대한 욕구를 명백히 나타내고 있다.

아네모네 꽃은 위안의 상징이기도하며, 어린 소녀들이 그녀들의 미래의 남편을 보여주길 St Agnes 에게 빌며 그들의 신발에 허브를 넣는

St Agnes' Eve인 1월 20일의 탄생 꽃이기도 하다.

오른쪽 바닥의 쥐는 Tennyson의 글에 나오는 쥐이며, 배경의 작은 제단 또한 Tennyson의 Mariana 를 주제로 한 또다른 시에 나오는 것이다.

 

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이 시대 회화에 Tennyson은 정말 중요한 영감의 원천이었던 듯 싶다.

다음 작품도 그의 시에서 탄생한 아름다운 작품이기에..

 

The Lady of Shalott  1888 - John William Waterhouse 1530 x 2000 mm

 

 

Tennyson의 1832년에 출판된 시에서는 비밀스런 저주를 받은 한 여인에 대해 말한다.

그녀는 Camelot에 있는 King Arthur의 성아래로 흐르는 강에 있는  Shalott이라는 섬안의 탑에 갇혀살았는데,

그녀는 단지 거울에 반사되는 잔상으로만 밖을 볼 수 있도록 허락되어졌다.

그런데 어느날 그 거울에 잘생긴 기사인 Lancelot가 흘끗 비추어졌고, 그녀는 참지 못하고 그를 보기 위해 직접 밖을 내어다 보게 된다.

거울은 산산조각이 났고 그녀는 저주가 자신에게 엄습함을 느끼게 된다.

그녀에게 내려진 벌은 보트에 태워진 채로 Camelot으로 떠내려가는 것이었지만,

그곳에 당도하기전에 그녀는 죽는 것이었다.

 

그림의 모델은 관례적으로 화가의 아내였다.

 

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이번에는 그리스 신화에서 영감받은 작품.

어리석게만 느껴졌던 이카루스의 모습을 무척이나 숭고하고 아름답게 표현해 감탄했던 그림이다.

 

The Lament for Icarus  1898 - Herbert Draper 1829 x 1556 mm

 

 

 

Draper는 그의 주제를 고대 그리스의 신화에서 가져왔다.

Daedalus는 전설적인 예술가였으며, 장인이었다.

그는 깃털을 왁스로 고정시켜 날개를 만들고, 그 날개를 아들 Icarus에게 달아주어 크레타섬에서 날도록 했다.

하지만 Icarus는 자신감이 너무 넘친 나머지 태양가까이 너무 높게 날았고, 날개를 거정하던 왁스가 녹아내리면서 바다에 떨어져 죽게 되었다.

이 그림에서 그는 그의 죽음을 슬퍼하는 바다의 요정들에게 둘러쌓여 있다.

 

이 그림은 Draper'의 작품 중 가장 유명한 것이다.

 

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다음 그림도 테이트 브리튼 의 유명 작품이자 자랑인 그림.

오묘한 색채와 정적이면서도 반짝 빛나는 듯한 아름다운 그림이다.

 

Carnation, Lily, Lily, Rose  1885-6  - John Singer Sargent 1740 x 1537 mm

 

 

이 그림은 Sargent가 팽본의 탬즈로의 여행중, 나무 사이에 걸린 중국식 등을 보면서 영감을 얻어 그린 것이다.

Sargent는 처음에 화가인 F.D. Millet 집에 머물며 그의 5살짜리 딸인 Katharine을 모델로 하였다.

그러나 곧 일러스트레이터인 Frederick Barnard의 두 딸인 Polly 와 Dorothy (Dolly) 로 대체 되었다.

왜냐하면, 그들이 Sargent가 원하는 정확한 머리색상을 갖고 있었기 떄문이다.

당시 왼쪽의 Polly는 11살이었으며, 오른족의 Dolly는 7살이었다.

 

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머리를, 가슴을 찌르고 지나갔던 '희망'이라는 이름의 그림.

마음이 울린다.

 

Hope 1886 - assistants and George Frederic Watts 1422 x 1118 mm

 

 

이 그림은 Watts이 'House of Life'로 알려진 장식적인 설계를 의도학 만들어진 우화적 주제의 시리즈 중 하나이다.

전통적으로 희망의 모양은 마음에 의지가 되는 형태였으나 Watts은 좀 더  근본적인 접근을 추구하였다.

그는 눈이 가려진 희망이 구형태 위에 앉은 채로 단 하나의 줄만이 남고 나머지는 모두 부러진 리라(그리스시대의현악기)를 연주하고 있는 그림을 그렸다.

그녀는 희미한 음악 소리를 들으려 고개를 구부리고 있지만 그녀의 노력은 절망적인 것으로 보인다.

 

전체적인 분위기는 희망보다는 슬픔과 비참함에 가깝다.

이 그림의 우울한 감성은 부드러운 붓질과 떠있는 구를 감싸는 불투명한 안개로 더욱 강화되었다.

 

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비통한 내용을 지녔음에도 의미심장한 화면구성이 있는 그림.

 

Past and Present, No. 1  1858 - Augustus Leopold Egg  635 x 762 mm

 

 

이 그림은 쓰러진 여성을 테마로 한 세가지 구성 중 첫 번 째로, 나머지 두 그림도 Tate Britain에 전시되어 있다.

세 그림은 모두 사회 도덕성에 관한 것으로, 당시 빅토리안 시대에 유행하던 것으로,

이 세연작 그림의 테마는 여성의 부정과 그 결과에 대한 폭로이다.

 

이 첫 번째 그림에서 여인은 근엄하게 앉아 있는 남편의 발 아래에 엎드려 누워있는데,

그 뒤에서는 아이들이 카드 놀이를 하고 있다. (여자아이의 모델은 William Frith의 딸이다.)

남편은 부인의 간통의 증거인 편지를 쥐고 있고, 동시에 발 아래의 그녀의 사랑의 미니어처를 부수고있다.

 장소는 중산층의 응접실로 보이지만, 좀 자세히 보면 방은 여러 상징들로 가득 차 있다.

무너지고 있는 카드집은 그들의 깨어진 결혼을 나타내고 있으며, 카드들은 Balzac(간통에 관한 전문가)의 소설책으로 지탱되어있다.

사과는 두개로 갈라져서 하나는 바닥에 떨어져있고(아내를 의미), 나머지 하나는 테이블 위에서 찔려져 있다.

수평으로 보면, 벽에 걸린 두가지 그림은 아담과 이브의 에덴동산에서의 추방을 묘사하고 있으며,

각자의 초상이 그에 해당 하는 그림 바로 아래에 걸려있다.

그림의 배경에 있는 거울 안에서는 문이 열려 있는 것을 볼 수 있는데, 여성의 임박한 쫓겨남을 암시하고 있다.

그녀의 팔의 위치와 손목의 팔찌는 수갑에 채워진듯한 인상을 준다.

 

빅토리안 시대의 영국 남자들은 어떠한 비난을 받을 두려움 없이 정부를 가질 수 있었지만, 불성실한 여성에게는 용서받을 수 없는 죄였다.

초기 페미니스트인 Caroline Norton는 '여성의 잘못은 범죄로 받아들여졌지만, 남성의 범죄는 잘못 조차도 되지않았다'라고 썼다.

 

 

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이번에는 위와는 반대로 남성의 배신에 아파하는 여성의 그림.

어떻게 저렇게 뒤에 서서 아파만할 수 있는지.

 

 

Broken Vows  1856 - Philip Hermogenes Calderon 914 x 679 mm

 

 

 

Broken Vows는 그녀의 애인이 다른 사람과 바람을 피우는 것을 안 한 여성의 고뇌를 그리고 있다.

배신은 제목에서만이 아니라, 펜스에 새겨진 이니셜,

바닥의 목걸이, 왼편의 죽어가는 꽃들에서도 예고되고있다.

담쟁이 덩굴은 그들의 사랑이 영원할 것이라 생각했던 그녀의 믿음을 상징하고 있다

 

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지위 높은 왕의 거지 소녀를 향한 사랑이 로맨틱하다.

 

King Cophetua and the Beggar Maid  1884 - Sir Edward Coley Burne-Jones, Bt 2934 x 1359 mm

 

 

 

Cophetuasms 아프리카의 왕으로 여인과 사랑을 경멸했다.

그런데 어느날 그는 거렁뱅이 소녀와 첫눈에 사랑에 빠지고, 그녀를 그의 여왕으로 삼을 것을 선언했다.

 

Burne-Jones의 사랑이 계급의 경게와 이유를 초월하는 순간의 형상법은

Tennyson의 시인 The Beggar Maid에서 영감을 받았다.

 

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난 어여쁜 여자의 모습을 보는 것이 좋다.

 

Lady Hamilton as Circe  circa 1782 - George Romney 533 x 495 mm

 

 

Lady Hamilton 이라는 이름으로 더 잘알려진 Emma Hart는

넬슨제독의 정부였으며, 약 1782년경 부터 Romney가 가장 좋아하는 모델이었다.

그는 그녀의 이상적인 모습을 여러번 반복해서 그렸다.

 

이 그림은 완성되지 않은 것으로,

원래는 Emma가 동물로 변하는 남자를 소유한 여마술사의 캐릭터로 그려지던 것이었다.

 

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부드러운 색채와 안정적인 구도의 아름다움,

그리고 어쩐지 타롯카드가 연상 되었던 그림.

 

A Garden  1869 - Albert Moore 1746 x 879 mm

 

 

 

1860대 후기에 Moore는 당시대의 다른 화가들과 마찬가지로 일본 예술에서 많은 영향을 받았다.

그는 특별한 주제 없이 단지 장식적인 기법과 신비한 색상을 표현하는 그림을 그리기 시작했다.

그는 늘 클래식한 로브를 입은 여인의 색감과 질감, 페브릭이 흘러내리는 모양을 중시 했다.

 

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마지막은 시원하고 따뜻한 초록과 파랑.

 

The British Channel Seen from the Dorsetshire Cliffs  1871 - John Brett 1060 x 2127 mm

 

  Telemann / Quartet No. 1 in D major  from Paris Quartets